A nuestras canciones favoritas las sabemos de memoria, ubicamos nuestro momento preferido y sentimos claramente las emociones que nos provocan.

Sin embargo, pocas veces comprendemos por qué nos atrajeron desde el primer momento y qué sucede musicalmente para que nos conmuevan de esa manera.

Conversaremos con Darío Jalfin, el “Doctor Música”, un artista que analiza las canciones para mostrarnos cómo están construidas y descubrir los juegos de clima, melodía, armonía, ritmo y palabras que actúan sobre nuestras emociones.

Darío lleva décadas componiendo, cantando, tocando el piano, produciendo y trabajando con esos ingredientes misteriosos. Publicó diez álbumes propios y colaboró con artistas como Fito Páez, Kevin Johansen, Martín Buscaglia e Hilda Lizarazu, entre muchos muchos otros.

Una conversación con música en vivo para escuchar de otra forma varias canciones que creíamos conocer de toda la vida, a pocos días de recibir a Darío y su espectáculo en Uruguay.

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La Ciudad Vieja vuelve a ser protagonista como escenario de encuentros culturales, gastronómicos y creativos. En esta edición de La Sobremesa, Carina Novarese conversa sobre las nuevas formas de activar el barrio a través de la moda, el diseño, la gastronomía y las experiencias que convocan a públicos diversos.

El disparador es The Meeting, un pop-up de moda, belleza y joyería que tendrá lugar del viernes 14 al domingo 16 de agosto en Curado (Cerrito 481, Ciudad Vieja). La propuesta reúne una selección curada de marcas, charlas, happenings, espacios de belleza y encuentros alrededor de la creatividad.

La iniciativa busca recuperar una idea simple pero poderosa: la Ciudad Vieja como lugar de paseo, descubrimiento y encuentro. No solo como destino laboral o histórico, sino como un barrio vivo, con propuestas culturales y gastronómicas durante toda la semana.

The Meeting nace del universo creativo de The Strawberry Blonde, proyecto de Camila Galfione que comenzó como blog y podcast vinculado a la moda, la belleza, la astrología y la cultura. Luego de una primera edición en 2019, el evento regresa con una nueva etapa y una alianza con María Pino, productora especializada en experiencias de moda.

Bajo el concepto de “una reunión”, The Meeting propone acercar marcas y personas en un formato más íntimo y cercano, donde la compra convive con la conversación, la gastronomía, el arte y la posibilidad de descubrir nuevos proyectos.

La edición tendrá una identidad marcada por el color rojo. El viernes 14 se realizará The Red Cocktail, una apertura especial en la galería de arte Hungry Art, con música de Falsos Impostores, vinos de Catena Zapata y una ambientación diseñada por distintos equipos creativos.

Durante las jornadas habrá charlas sobre moda, bienestar, astrología y tendencias latinoamericanas, además de espacios de belleza, ilustraciones en vivo y experiencias especiales.

Ciudad Vieja como protagonista

La llegada de propuestas como The Meeting se suma a un movimiento más amplio de recuperación del barrio. La Ciudad Vieja concentra una enorme riqueza cultural: museos, galerías, ateliers, arquitectura histórica y una gastronomía que continúa creciendo.

La calle Pérez Castellanos, especialmente durante los fines de semana, es un ejemplo de esa transformación. También forman parte del circuito espacios como el Palacio Taranco, el Cabildo, el Museo Gurvich, el Museo Torres García y otros puntos culturales alrededor de Plaza Matriz.

La conversación también pone el foco en los desafíos: cómo convocar nuevos públicos, qué estrategias se necesitan para facilitar la llegada de visitantes, qué ocurre con la movilidad y el estacionamiento, y cómo seguir fortaleciendo un barrio con una identidad única.

Almazara: Gastronomía, identidad y permanencia en la Ciudad Vieja

El contrapunto lo aporta Jorge Lafourcade, fundador de Almazara, restaurante que desde hace años forma parte del paisaje gastronómico de la Ciudad Vieja.

Ubicado en Sarandí 301, Almazara refleja la evolución del barrio y funciona como una radiografía cotidiana de lo que sucede en la zona: trabajadores, vecinos, visitantes y turistas que encuentran allí una propuesta amplia desde la mañana hasta la medianoche.

Lafourcade ha construido su trayectoria alrededor del respeto por el producto local, la cocina mediterránea y el protagonismo del aceite de oliva extra virgen uruguayo, elemento central de la identidad del restaurante.

Su apuesta por la Ciudad Vieja comenzó hace años y se consolidó especialmente desde la instalación en la esquina de Sarandí y Colón, donde desarrolló nuevos proyectos gastronómicos y acompañó el crecimiento de la zona.

Almazara forma parte de un ecosistema gastronómico que incluye también propuestas como Parrillada Mojo, Alma Bistró y Rotty.

La emisión plantea así un encuentro entre dos miradas: quienes llegan al barrio para generar una experiencia puntual y quienes trabajan todos los días para mantenerlo activo.

Nuestros Invitados

Camila Galfione (@thestrawberryblond)

Es escritora y comunicadora especializada en moda, belleza, cultura y astrología. Es colaboradora de Vogue México & Latinoamérica desde 2019 y directora de contenidos de Latin American Fashion Summit.

En 2023 creó una boutique de storytelling para ayudar a marcas a construir y comunicar sus historias.

Es la creadora de The Strawberry Blonde, un universo editorial que comenzó como blog y podcast y que hoy se expresa también en experiencias presenciales como The Meeting.

María Pino (@merypino)

Productora de eventos y experiencias vinculadas a la moda. Para esta segunda edición de The Meeting se suma como socia de Camila Galfione, aportando su experiencia en producción, ambientación, alianzas estratégicas y generación de encuentros.

Ha trabajado junto a Camila en proyectos para marcas como Shift y Rapsodia.

Jorge Lafourcade (@almazaracafecomida)

Chef y empresario gastronómico uruguayo. Es fundador de Almazara, uno de los restaurantes referentes de la Ciudad Vieja, además de estar al frente de otros proyectos gastronómicos.

Con una trayectoria ligada al producto local, la cocina mediterránea y la valorización del aceite de oliva uruguayo, ha acompañado durante años la transformación del barrio.

Recomendaciones

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La Tertulia de los Viernes con Willy Rey, Mariana Blengio, Alejandro Abal y Víctor Ganón

La muestra "Van Gogh: El Sueño Inmersivo" está disponible otra vez en Montevideo: Desde fines de julio recibe al público en la Rural del Prado, donde permanecerá abierta hasta el 30 de agosto. 

La propuesta combina proyecciones de gran escala, música envolvente, tecnología 360° e instalaciones interactivas inspiradas en la obra del pintor neerlandés Vincent van Gogh. 

La experiencia, que ya pasó por la ciudad entre fines de noviembre y diciembre del año pasado, se montó en un espacio de más de 1.500 metros cuadrados, donde se presentan más de 200 obras de Van Gogh. El recorrido incluye, entre otras posibilidades, una sala inspirada en su célebre serie de los girasoles.

Este tipo de exhibiciones inmersivas se han multiplicado en los últimos años en todo el mundo, destacando las creaciones de autores como Claude Monet, Gustav Klimt o Frida Kahlo al gran público. 

La pregunta es: ¿Este tipo de espacios realmente acerca nuevos públicos al arte o convierte a la cultura en entretenimiento?

Lo debaten Willy Rey, Mariana Blengio, Alejandro Abal y Víctor Ganón en La Tertulia de los Viernes.

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Lala Severi, artista visual con experiencia en proyectos inmersivos y cruces entre distintas disciplinas, y Gabriela Onetto, escritora, investigadora y coordinadora de talleres de escritura desde hace más de 25 años, compartieron los detalles de una iniciativa conjunta. Ambas presentan un taller de creación de fanzines, concebido como un espacio de expresión personal, creatividad y desconexión del entorno digital. La propuesta une escritura, artes visuales y edición artesanal.

El proyecto busca brindar herramientas para que cualquier persona pueda transformar textos, recuerdos, fotografías o ideas en publicaciones autogestionadas y únicas.

El ciclo, de cuatro meses de duración, culminará con una presentación pública de las obras realizadas. Además, la primera edición cuenta con el apoyo de Fundación Itaú y está dirigida tanto a escritores y artistas como a cualquier persona interesada en comunicar y crear desde una perspectiva independiente.

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En este episodio de MACA al Aire, nos adentramos en la arquitectura y la gestión creativa del MACA de la mano de su Director Artístico, el arquitecto Leonardo Noguez. Lejos de ser solo un contenedor de obras, el museo se revela aquí como un organismo vivo donde el espacio físico y la curaduría dialogan constantemente.

El recorrido inicia en la Capilla de la Piedad, una pieza que desafía las etiquetas al situarse en el límite exacto entre la arquitectura y la escultura. Noguez detalla la génesis de este proyecto en 2017 y cómo la estructura logra dictar un estado de introspección casi espiritual, funcionando hoy tanto para el rito como para las artes escénicas.

La charla expande la mirada hacia el Parque de Esculturas, analizando la logística y el criterio artístico detrás de un patrimonio que ya supera las 70 obras. Desde la luz que transforma el paisaje en momentos clave del día, hasta la complejidad de coordinar muestras de escala internacional como las de Lucio Fontana o la actual exhibición de Julian Lennon, Eva Claessens y Pablo Atchugarry.

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En este episodio conversamos con Pepi Gonçalvez, una figura polifacética y fundamental de la cultura uruguaya. Productora, activista, docente y ambientalista, Pepi nos comparte su visión sobre el cine, la educación y el impacto social del audiovisual en nuestra región.

Exploramos a fondo la sección "Pantalla Maldonado" dentro del 28° Festival Internacional de Cine de Punta del Este, conociendo los detalles de las proyecciones en el Cine Cantegril, la Torre del Vigía y el Teatro de Verano Margarita Xirgú. Además, profundizamos en su rol como Coordinadora del Área Audiovisual en el Polo Educativo Tecnológico Arrayanes (UTU), donde se forman las nuevas generaciones de cineastas.

También viajamos al pasado para conocer la historia de "Polizonte", el icónico detective que habitó las calles de Montevideo en los años 80, y conversamos sobre su incansable labor social en defensa de los derechos de las mujeres y la comunidad trans a través de proyectos como MAU (Mujeres Audiovisual Uruguay) y Pampeanas Regenerativas Orientales.

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En este episodio recibimos a Matilde Vera, directora del Teatro Escayola. Conversamos sobre la historia del teatro, cómo fue fundado, su comunidad y la llegada de Vera al teatro con todas las transformaciones que la acompañaron.

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“Luis Camnitzer puede considerarse una de las figuras clave del mundo del arte de la segunda mitad del siglo XX”

Este creador uruguayo, radicado en Nueva York, fue distinguido esta semana con el Premio Figari en su vigésimo novena edición.

A los 88 años y con una trayectoria de más de seis décadas como pintor, escritor, crítico y docente, Camnitzer sigue reivindicando a Uruguay como “su lugar” y se ha mantenido muy cercano a la comunidad cultural de nuestro país.

¿Qué sintió al recibir el Premio Figari? ¿Qué nos puede contar sobre su obra actual y perspectivas a futuro? ¿Cómo se planta frente a la Inteligencia Artificial?

Emiliano Cotelo y nuestra tertuliana Carolina Porley conversaron con Luis Camnitzer.

El jurado del Premio Figari, el más importante de nuestro país, decidió reconocer este año a un artista uruguayo destacado a nivel mundial: Luis Camnitzer.

La distinción, que se entregó esta semana, se basó, según dice el fallo, en “su trabajo, atravesado por el conceptualismo, que cuestiona los límites entre lenguaje e imagen, memoria e historia, proponiendo siempre una posición activa frente al poder, la violencia y los sistemas de conocimiento, así como nuevas formas de pensar la relación entre arte y política.”

Camnitzer nació en 1937 en Alemania pero llegó a nuestro país siendo un bebé en brazos de sus padres que huían del nazismo.

Aquí creció, estudió arte y arquitectura. En 1964 se fue a Nueva York, en Estados Unidos, donde vive desde entonces, aunque se ha mantenido siempre vinculado a Uruguay y en particular a nuestro mundo artístico.

De hecho este martes dijo que recibía el Premio Figari como “la expresión de la calidez hogareña de [su] lugar.”

¿Cómo le resultó esta vez el regreso a Montevideo? ¿En qué líneas trabaja y piensa hoy? ¿Qué nuevas exploraciones artísticas se plantea a futuro?

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Presenta: Banco República, nuestro banco país

Apoya: Cuadrería Aquarela

Esta semana exhibimos obras de José Gurvich. 

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Cuadro en el estudio:

Título: El poeta español
Autor: José Gurvich
Técnica: Óleo sobre cartón
Medidas: 56 x 46 cm
Año: 1951

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José Gurvich, que nació en 1927 en un pequeño pueblo de Lituania y llegó al Uruguay a los cinco años, fue pintor, dibujante y ceramista. Se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes y luego en el Taller Torres García, donde también fue docente y uno de sus integrantes más destacados.

Viajó por Europa e Israel, vivió en un kibutz y expuso en Roma y Tel Aviv. En 1967 presentó en Montevideo una muestra decisiva, celebrada por la crítica. Tras nuevos viajes por Europa se radicó finalmente en Nueva York, donde continuó trabajando hasta su muerte.

Sobre la nueva exposición "Iconos modernos. José Gurvich y el género del retrato"

La exposición antológica del Museo Gurvich propone un recorrido por una de las vertientes más significativas de su obra: el retrato, revisado aquí desde los principios del Universalismo Constructivo y las enseñanzas del Taller Torres García.

Presentada simultáneamente en el Museo Gurvich (Sarandí 524) y en la Sala de Arte Carlos Federico Sáez del MTOP (Rincón 575), con inauguración el 27 de noviembre a las 18 h, la muestra organiza las obras en núcleos que abordan el retrato femenino, la familia, amigos, colegas artistas y figuras emblemáticas como Estela Medina.

Conversamos con el curador de esta exposición, Manuel Neves, y con el presidente de la Fundación Gurvich, Uruguay Russi.

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Presenta: Banco República, nuestro banco país

Apoya: Cuadrería Aquarela

Esta semana exhibimos obras de Sebastián Sáez. 

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Cuadro en el estudio:

Título: "El Guardia"
Autor: Sebastián Sáez
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 160 x 140
Año: 2025

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Sebastián Sáez, que nació en Montevideo en 1974, es pintor y docente de arte.

Entre los años 2000 y 2015 se dedicó principalmente al retrato, explorando la figura humana desde distintos enfoques. Luego su práctica se orientó hacia la naturaleza, tema que atraviesa su producción más reciente.

Ha viajado por la selva peruana, colombiana y brasileña, experiencias que influyeron profundamente en su mirada y en su obra. También ha trabajado sobre los ríos contaminados de Minas Gerais, en particular el río Dulce y el Gualaxo do Norte.
Actualmente desarrolla su trabajo en su estudio ubicado en la Ciudad Vieja de Montevideo.

Sobre su obra

Su interés se centra en la naturaleza: sus formas, sus transformaciones y su relación con el ser humano. En sus pinturas, a veces aparecen animales o figuras humanas, presencias que emergen del paisaje o lo habitan de manera sutil.

Sus cuadros pueden representar tanto no-lugares como espacios con los que mantiene una relación afectiva o de memoria, construyendo así un territorio pictórico propio.

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